El kántele y Sibelius

El kántele es un tipo de salterio folclórico propio de Finlandia, un instrumento de cuerda punteada sobre una madera que ha adquirido el rango de instrumento nacional, tal y como la guitarra puede serlo de España, el arpa de Irlanda, la gaita de Escocia... Por supuesto, al igual que sucede con esos otros instrumentos, no es único de Finlandia, ya que es característico también en las repúblicas bálticas (el "kannel" estonio, nombre que también se encuentra en Finlandia, el "kokle" letón y el "kankles" lituano) y en las minorías fino-ugrias en la Rusia báltica, principalmente en la mítica Karelia (donde se denomina "kandele"). También está presente entre los rusos próximos al Báltico ("gusli").

Kántele de cinco cuerdas, reproduciendo el modelo más arcaico.

En cualquier caso, el kántele está sumamente unido al imaginario colectivo finlandés. Es el instrumento que solía acompañar a la canción kalevaliana y a otras formas folclóricas. Pero se la asoció intensamente ya desde muy antiguo al mundo del "Kalevala", a la manera que la lira se asocia a la poesía griega y/o al teatro. En la obra de Lönnrot aparece una descripción mítica de su origen: fue creado por el propio Väinämöinen el dios, el héroe, el bardo y el hechicero, personaje central del poema épico.

La escena sucede entre el runo 40 y el 41: El viejo Väino se ha embarcado junto Ilmarinen y Lemminkäinen en busca del misterioso y mágico "sampo". Tras pescar un lucio y mandar cocer su carne, el bardo se pregunta qué podría hacerse con los dientes y la mandíbula del pez. Tras proponer a otros la construcción de un nuevo instrumento, Väinämöinen decide él mismo ponerse a la tarea:

La caja del kántele se hizo 

con la mandíbula del lucio,

sus dientes fueron las clavijas,

y de las crines de un caballo

salió el cordaje de la cítara. 

(Traducción y adaptación de Joaquín Fernández y Ursula Ojanen) 

 "Väinämöisen soitto" (Väinämöinen tocando"), óleo (1858-59) de Robert Wilhelm Ekman (1808-1873)

El héroe convoca a cuantos para hacer sonar el instrumento, pero nadie lo consigue, y de nuevo él mismo debe solucionarlo. Coloca el kántele a sus rodillas y todos los seres vivos, incluyendo las deidades de la naturaleza, acuden a escuchar su música, que les lleva a las lágrimas. Esas lágrimas se acaban convirtiendo en las perlas azules del mar, última consecuencia del hechizo de la música.

En este vídeo podemos escuchar la angelical sonoridad del kántele, así como su técnica, en el instrumento de concierto de treinta y ocho cuerdas. La virtuosa japonesa Mitsuko Sato hace sonar una popular tonada ("Las campanas de Konevitsa"), muy habitual de los kanteletistas.

Su sonido efectivamente ha sido descrito muchas veces como "de campanillas" debido a sus cuerdas metálicas, que alargan la duración de la resonancia de las cuerdas, dándole un aura especialmente mágica.


La forma más tradicional consistía en un trozo de madera vaciada directamente del tronco de un árbol (aliso, abeto o abedul), con forma triangular o trapezoidal. Las cuerdas son metálicas (cobre o acero), dispuestas irregularmente, y atadas a una varilla metálica en un extremo y a un clavijero en el otro.

Kántele clásico, visto desde diferentes perspectivas.

Este modelo es el más unido a la canción kalevaliana, que no en vano suele estar en una escala de cinco o seis notas, un pentacordo mayor o menor, por ejemplo (la afinación moderna estándar) re - mi - fa / fa# - sol - la. Los folcloristas recogen la idea de que en realidad esa tercera era de afinación intencionalmente inexacta, entre mayor y menor.

Los kánteles tradicionales podían tener entre cinco a quince cuerdas. Expertos señalan que pudo originarse no mucho antes del siglo XI, y alcanzó su forma característica entre el XI y el XV, posiblemente influenciado por otros tipos de cítaras, tan difundidas y variadas en el Medievo europeo.

Un desarrollo ulterior incluyó una caja de resonancia con agujero resonador. Con la extensión de cuerdas se posibilitó el que hubiese un acompañamiento, desde un simple bordón hasta un bajo más complejo. Aunque la postura prototípica de tañirse era apoyado en las rodillas, también era usual apoyarlo en un costado y tocarlo verticalmente. Con el aumento del tamaño la ejecución se tuvo que trasladar a una mesa.

Hay dos maneras de hacer sonar al instrumento. En primer lugar melódicamente, con las dos manos alternándose entre las cuerdas, lo que posibilita notas rápidas. La segunda es semejante al rasgueado de la guitarra, con una mano presionando las cuerdas y otra pulsándolas rítmicamente (produciendo acorde o no). Éste último era más habitual en música de danza.

En el siglo XIX, con el movimiento folclorista y nacionalista, el uso del kántele se extendió enormemente, con lo que también se plantearon nuevas formas del instrumento. Surge entonces un "kántele de concierto" con varias octavas y sistemas de afinación que permitían un aumentos exponencial de sus capacidades musicales y, sobre todo, dotarse de un acompañamiento elaborado. A principios del siglo siguiente se hizo posible una extensión cromática, por lo que entonces le fue posible abordar todo tipo de composición. Entonces se generaliza el kántele de 38 cuerdas, el instrumento de concierto más extendido:

En el siglo XX muchos compositores locales adaptaron o crearon piezas para el kántele de concierto, aunque lo cierto es que pocos de los grandes de la música culta se acercaron, al menos hasta la llegada de las vanguardias, siendo precisamente Jean Sibelius el más importante (aunque estrictamente hablo sus obras con kántele son de finales del siglo XIX).

En la actualidad el kántele ha ocupado la posición de principal instrumento de origen folclórico en Finlandia. Se encuentra en muy diferentes ambientes de la cultura, desde clases para niños hasta recitales de concierto culto. Constituye el centro de los grupos de música tradicional. Se emplea frecuentemente en los grupos "folk" (p.ej. "Loituma") que combinan la herencia antigua con la moderna música popular urbana. Conjuntos de rock duro como "Amorphis" hacen un uso asiduo de él, y existe incluso un modelo de kántele eléctrico.

El mundo del kántele es un mundo propio, y quien tenga curiosidad puede buscar por la red muchos ejemplos, aunque muy pocas referencias están en español. Como recomendación, tienen ustedes este enlace, que nos remite a una página de un constructor de estos instrumentos. Contiene excelente información (en inglés eso sí) sobre el kántele, su historia, cómo interpretarlo, su construcción e incluye incluso la posibilidad de comprarlo (sin querer hacer publicidad comercial, apuntamos sin embargo sus otros contenidos).

Las tres piezas de Sibelius para kántele

Nuestro músico compuso un total de tres piezas en las que aparece el instrumento, dos de ellas para kántele solo y la otra con una parte de violín.

Como ya hemos dicho, Jean Sibelius fue uno de los pocos grandes músicos que se ha acercado al instrumento popular, hacia el que sentía cierta simpatía. Es posible que llegara a tocar en más de una ocasión. Hay referencias a que asistió entusiasmado a un recital del famoso kanteletista Achilles Ockenström en su Hämeenlinna natal en 1887. En una carta del 3 de febrero de 1889 a su tío Pehr habla de un baile de disfraces al que acudió: "en la primera parte de la velada estaba disfrazado con un intérprete de kántele finlandés y por lo tanto aprendí algunas canciones populares de kántele para el evento".

En cambio, sus encuentros compositivos con el instrumento se deben a circunstancias personales más que por una pasión artística. Como ya hemos afirmado en más de una ocasión el folclore en Sibelius es generalmente una abstracción, no incorporable directamente a su música. El kántele sí aparece referenciado "en espíritu" muchas veces en su obra, en forma de arpegios o pizzicato de las cuerdas, como es el caso de su hermosísima cantata "Oma maa" ("Mi patria") opus 92, bajo los versos de Kallio "("No, no puedo olvidar las colinas de Pohjola, / donde de niño escuchaba la música del sampo y del kántele").

La primera de esas ocasiones nace de una desgracia familiar. En 1896, una prima de Aino, llamada Aili Järnefelt, tenía 26 y próxima su boda cuando en un accidente en las vías del tren cerca de Viipuri pierde ambas piernas. La joven tocaba el kántele, y en algún momento entre ese año y 1898 Sibelius escribió para la convaleciente dos piezas, quizá para su consuelo.

El Moderato JS.130 es una obra de sonoridades amplias para un kántele de concierto, que recuerda a las piezas de piano más serias, e incluso en ocasiones a la música orquestal. A pesar del sencillo lenguaje romántico, melancólico (con pasajes a ritmo de vals lento) en algún pasaje apunta a las desolaciones del futuro "periodo oscuro", en especial a la Cuarta Sinfonía (1909-11): algunos de los motivos de fanfarria se vaticinan aquí. Esta curiosa coincidencia puede deberse a la conexión extramusical que tienen ambas obras con la enfermedad y la muerte, la amputación de Aili Järnefelt y el tumor del propio compositor, aunque el motivo en sí puede significar más esperanza que dolor. Otra analogía de ese motivo de fanfarria se encuentra con un motivo de "Lemminkäinen y las doncellas de la isla" opus 22 nº1, poema sinfónico que escribió ese mismo 1896 del accidente y cuya primera revisión data del año siguiente. Pero la conexión con el poema sinfónico es más difícil de establecer. En cualquier caso este Moderato es una pieza de valía, que traspasa como mucho el simple souvenir.

El Dolcissimo JS.63 parte de una planteamiento musical completamente diferente: es el mundo de la canción kalevaliana, con sus frases de estrecho ámbito, su modalidad y sus persistentes bordones. Aquí la vinculación del kántele con el folclore es explícita, si bien el músico construye la pieza con elegancia y fascinación. Estos elementos musicales están ya incorporados, aunque más sutilmente, a su propio lenguaje (por ejemplo, en los Seis impromptus para piano opus 5).


La segunda ocasión en la que nuestro autor compuso para el kántele fue en 1899. Aquel septiembre visitó al pintor Pekka Halonen (1865-1933) en su casa de las proximidades del lago Tuusula (muy cerca de donde el propio Sibelius fundaría Ainola unos pocos años después), con el objeto de celebrar junto a él el cumpleaños de otro vecino del lago, su amigo el novelista Juhani Aho.

 "Talvimaisena" ("Paisaje invernal") de Pekka Halonen.

Halonen tocaba el kántele, con el que interpretaba melodías tradicionales. A una de ellas Sibelius decidió espontáneamente añadirle una pequeña parte de violín, que él mismo tocaría. La Canción de cuna ("Kehtolaulu" en finés) JS.222 - que aparece en alguna ocasión nombrada como "Vals" - parte de esa melodía. El tema en cuestión se basa en el habitual pentacordo menor, apoyada sólo por bordones ocasionales, entonada primero a solo y luego acompañada con la sencilla contramelodía del violín. Una pieza modesta pero al tiempo muy hermosa.

Las dos partituras para Aili Järnefelt permanecieron inéditas hasta 1989, cuando fueron donadas al Museo Sibelius de Turku por un particular, la sra. Birgitta Lagerblad. La Kehtolaulu en cambio sí había sido publicada ya en 1935, pero parece que por sus pocas pretensiones no había llamado mucho la atención a los kanteletistas.

La reciente aparición de la primera grabación absoluta de estas piezas (presentes en el último volumen de la Sibelius Edition de Bis) nos ha brindado la oportunidad de escuchar estas rarezas del catálogo sibeliano. La interpretación corre a cargo de Suvi Lehtonen-Gräsbeck (mujer de Folke Gräsbeck), que estrenó las piezas para kántele solo en el Festival de Música de Verano de Nurmes (Finlandia) en 2001. 

No pudiendo disponer de esos ejemplos, para imaginarse como suena Sibelius al kántele aquí podrán escuchar un arreglo de Joueur de harpe (Toque de arpa), octava de las Bagatelas opus 34 para piano, de nuevo por Mitsuko Sato.

[Actualizado en septiembre de 2016:] Hemos podido encontrar finalmente este ilustración sonora y visual de la Kehtolaulu JS.222, con el kanteletista Hannu Saha, acompañado por el violín de Arto Järvelä, un video probablemente proveniente de la televisión finlandesa (1988).

Espero que hayan podido descubrir las cualidades del bello instrumento, el símbolo musical popular de Finlandia, y disfrutado de su conexión el símbolo de la música culta, Jean Sibelius.

Alicia de Larrocha en el recuerdo

Alicia de Larrocha se fue el pasado viernes 25 de septiembre.

Desde nuestro blog nos unimos al dolor del mundo musical, en especial del español, que ha perdido una, si no la mayor, de sus intérpretes.

Aunque su repertorio era grande (e incluía excelentes Mozart y Schumann) será para siempre recordada, y con justicia, como la gran pianista de los "maestros" (Granados, Albéniz y Falla) y de toda la música española del siglo XX, de Turina a Suriñach, pasando por Ernesto Halffter.

Para quien les escribe cualquiera de sus tres grabaciones que efectúa de la opera magna de la música española, "Iberia" de Albéniz es la mejor de las posibles (Hispavox en 1962 y 1973, comercializadas por Emi y Decca respectivamente, y directamente en Decca en 1987). En Alicia a su fuerza, precisión rítmica y absoluta pasión se les sumaba una sensibilidad sin parangón, un sano lirismo y una limpieza extraordinarias. Insuperadas y quizá insuperables.

Portada original de la grabación para Decca de 1987 de "Iberia" de Isaac Albéniz.

A esas grabaciones magistrales a nuestro criterio se podrían añadir las de Goyescas de Granados (Alicia fue alumna de Frank Marshall, alumno a su vez del compositor) en los 80 para Decca y los antiguos registros de Emi de las Cuatro piezas españolas de Falla, otros buques insignia del pianismo ibérico que De Larrocha aborda con su magia.

Aunque nos hemos salido de nuestra línea habitual la noticia nos ha parecido que no podía faltar en un blog de y para absolutos melómanos. Quien redacta estas líneas es también un entusiasta de la música española del paso de siglo, y no podíamos faltar en el homenaje que le está rindiendo en la blogosfera (me añado a mis compañeros Diego Fernández Magdaleno, José Manuel Brea y Pablo Álvarez).

Por una vez abandonamos el frío norte, el bosque ancestral, los azules lagos y la blanca nieve por la soleada "Jerez", una de las cumbres de "Iberia" del maestro Albéniz, doblemente señalada por encontrarnos en la doble celebración del genio español (el centenario de su muerte, al que seguirá el año que viene el 150 de su nacimiento):



Nuestro recuerdo a Alicia, que vivirá para siempre en la memoria de nuestros corazones.

El fin del silencio

Hoy, 20 de septiembre, se cumplen 52 años del fallecimiento de Jean Sibelius.

Los últimos años del maestro fueron los del llamado "silencio de Ainola". Desde principios de la década de 1930 había abandonado progresivamente su actividad musical. En aquellos años daba vueltas a una composición imposible, una Octava Sinfonía que jamás vio la luz, aunque diversos testimonios relatan que se escribió íntegra al menos en borrador, y dos movimientos se completaron. Pero el sentido hipercrítico de nuestro músico acabó con aquella última gran obra, y según se cree sus pentagramas ardieron tristemente en una hoguera durante los años de la Segunda Guerra Mundial.
Con la excepción de dos pequeños coros escritos en 1946 para ser añadidos a su Música masónica opus 113, Sibelius no volvería a componer. Sí revisó y orquestó numerosas obras, trabajando con exhaustividad y absoluta pulcritud. Si embargo incluso esta actividad fue declinando progresivamente. En su avanzada ancianidad el maestro paseaba por los jardines de su casa de Ainola y las proximidades del lago Tuusula. Su familia estaba siempre con él. Y aunque sus hijas poco a poco se fueron casando y abandonando el hogar, visitaban a su padre continuamente, lo que le supuso siempre una gran alegría. Las visitas de admiradores eran también frecuentes, aunque también con los años empezó a rehuirlas. Por Ainola pasaron muchos grandes músicos y artistas, gentes de la cultura y las máximas autoridades políticas. Sibelius era un mito viviente, condición con la que él mismo, siempre tímido, no se sentía cómodo. Prefirió la compañía de los suyos y de la naturaleza, con la sentía cada vez más y más unido.
Su gran longevidad le permitió disfrutan con una relativamente buena salud de una vida muy extensa. Pero el pesimista Sibelius recordaba con lamentos que todos sus amigos había muerto, no sólo los de sus generación, como Kajanus o Gallén-Kallela, sino incluso los más jóvenes, vecinos del lago como el compositor Melartin o el pintor Halonen. Él había estado muy cerca de la muerte en 1908, cuando le tuvo que ser extirpado (con notable éxito) un tumor de la garganta, y había creído desde entonces que su muerte no tardaría mucho en llegar... pero casi cinco décadas después aún no se habían cumplido sus negativos augurios.

El lago Tuusula, cercano a la localidad de Järvenpää,

 

Ese mismo año de 1957 había sido especialmente activo musicalmente, con el arreglo de dos piezas para el bajo-barítono Kim Borg, con acompañamiento de pequeña orquesta, el "Lamento de Kullervo" y "Kom nu hit, död" ("Aléjate, Muerte") opus 60 nº1, una canción escrita para una representación de "Noche de Reyes" de Shakespeare en 1909. El poema del genio inglés no podía ser más premonitorio en esos días.

La mañana del miércoles 18 de septiembre numerosas bandadas de grullas sobrevolaron Ainola. Hacía años que nuestro compositor no las veía. "¡Ahí vienen, los pájaros de mi juventud"!", comentó entusiasmado a su hija Margaretta. Mientras contemplaba a los pájaros desde el balcón, uno de ellos se separó del grupo y voló alrededor de la casa antes de volver a reunirse con los suyos.

Al día siguiente tuvo dos interesantes conversaciones telefónicas. Con el director Martti Similä discutió sobre la Tercera Sinfonía. Con Malcolm Sargent, presente en Helsinki, habló sobre la Quinta, que interpretaría al día siguiente con la Orquesta Filarmónica, y que sería radiada. Por la noche se fue inusualmente pronto a la cama, hecho que sorprendió a su entorno.

El viernes 20 por la mañana transcurrió como todos los días. Leyó los periódicos en la cama, se vistió solo... Pero a la una de la tarde, mientras comía, colapsó. Su médico personal acudió con presteza y lo encontró apoyado a la mesa, y con ayuda de la doncella y la cocinera lo llevaron a la cama. Había sufrido una hemorragia cerebral. Aino y dos de sus hijas no se movieron de su lado. Katarina se dirigió hacia él: "padre, Eva y Kai [Katarina] están aquí". "Eva y Kai" respondió. Aquellas fueron sus últimas palabras.

A las cuatro perdió la conciencia, falleciendo a las a las nueve. En ese mismo momento Sargent dirigía la Quinta Sinfonía del genio finlandés, y su esposa Aino encendió la radio, al máximo de volumen, con la ilusión de que sus magistrales notas pudieran despertarle. Pero no se despertó. La Quinta Sinfonía había sido una triunfal "lucha con Dios" por la superación de lo que había confesado en la Cuarta, la reflexión sobre su propia muerte. Pero esta vez no hubo victoria.

Siguiendo los deseos de su marido, Aino publicó su obituario con el título "Mi canción está hecha de sufrimientos" el día 24. Se anunció que no existía la Octava Sinfonía, ni había obras inéditas, esbozos o fragmentos (en 1982 la familia confesó que sí existían numerosos pentagramas inéditos, que donaron a la Universidad de Helsinki, pero ciertamente entre ellos no estaba la Octava Sinfonía).

El 29 se ofició una ceremonia privada en Ainola, y al día siguiente en Helsinki se celebró un auténtico funeral de estado, dirigido por el Arzobispo. El compositor Yrjö Kilpinen, el presidente de la República de Finlandia Urho Kekkonen y Aino pronunciaron los discursos. En la iglesia sonaron fragmentos de La Tempestad opus 109, El Cisne de Tuonela, e Il tempo largo de la Cuarta Sinfonía.

Einojuhani Rautavaara, Uumo Klami y otros músicos sacaron el féretro de la catedral bajo las notas de su marcha fúnebre, In memoriam opus 59 (1909), que el propio compositor escribió bajo la impresión de su enfermedad.

La marcha fúnebre orquestal "In memoriam" opus 59, en su versión original (1909, no publicada), así como la versión revisada al día siguiente, interpretadas porla Orquesta Sinfónica de Lahti dirigida por Osmo Vänskä. Fue la versión final la editada e interpretada el día del sepelio. 

Los homenajes en la calle y durante el trayecto a Ainola fueron multitudinarios, y la música no dejó de sonar en homenaje del gran compositor . Sobreviven numerosas imágenes de aquel momento (podéis descargaros el fragmento de un noticiero en finés de la página de sibelius.fi, hacia la mitad del mismo están los enlaces).

Un lugar favorito de Jean y de Aino en su propio jardín fue el lugar indicado para que el cuerpo del compositor fuera enterrado. Un sencillísimo epitafio metálico indica el lugar exacto.

Aino siguió residiendo en la casa hasta su muerte en 1969. Visitaba todos los días la tumba de su marido, donde ella misma también reposaría.

Tumba de Jean y Aino Sibelius. Foto propia.

 

Desde este humilde blog nos unimos al recuerdo del gran genio de la música finlandesa.

BIS Complete Sibelius IX: música de cámara II

Es el momento de hablar del último volumen aparecido de la Sibelius Edition de BIS, aparecido a finales del mes pasado y que contiene el segundo estuche dedicado a la música de cámara. En realidad es el tercero, contando con el dedicado en exclusiva a la música para violín y piano (separado por la especial dimensión de esta faceta en la obra de Sibelius). Con éste se cierra este género dentro de la producción del compositor finlandés.

La música de cámara de Jean Sibelius, como ya hemos señalado en alguna ocasión, se concentra en el periodo de estudios, con unas pocas y formidables excepciones de la época de madurez, donde la expresión sibeliana se había volcado con ardor en la orquesta... El ejercicio compositivo, el experimento, la absorción de influencias, las confesiones subjetivas de la juventud... todo se une para dar como resultado un grupo de obras que nos resistimos a dar como "menores", pero sí como secundarias respecto a las obras orquestales, el verdadero corazón de la producción de Sibelius. Cualquiera de estas piezas está indisolublemente unida a la vida y a la personalidad del autor, atesorada como un recuerdo feliz de otro tiempo... Ningún sibeliano debería pasarlas por alto, sin duda encontrará muchas satisfacciones y sorpresas en ellas...

En específico, en estos cinco discos compactos podemos encontrar la música para cello y piano, para cello solo, para quinteto de cuerda y piano, dúos y tríos de cuerda, el rondó para viola y piano, las tres pequeñas piezas para kantele y las composiciones para conjunto de metal. Además se añade la música de escena para "Ödlan" opus 8, que se desplaza del volumen dedicado a la música teatral (el quinto) al presente por su singular plantilla: violín solo, cuarteto de cuerda y contrabajo. Finalmente también encontramos un melodrama para recitador y quinteto de piano y cuerda, "Noches de celos" JS.125.

El estuche, como suele ser habitual, contiene grabaciones ya editadas hace años en otros discos del sello BIS y otras expresamente registradas para la ocasión (grabadas entre el 2006 y mayo de este mismo año). Hay numerosas grabaciones de obras inéditas, incluyendo, como también viene siendo habitual, obras y fragmentos que incluso no habían aparecido aún en los catálogos publicados, junto a algún fragmento alternativo. A continuación daremos detalles sobre las novedades.
La mayor parte de la música para cello (solo y acompañado por el piano) había aparecido en el compacto BIS-CD-817, del año 1996, interpretada por Torleif Thedéen y Folke Gräsbeck (por cierto, el primer disco del pianista-musicólogo tan implicado en el estudio de Sibelius). Los mismos protagonistas se han reunido de nuevo 13 años después para completar con los últimos descubrimientos este segmento de la integral sibeliana, así como grabar de nuevo el Tema y variaciones para cello solo JS.196 por la aparición de unos compases perdidos hasta hace poco (exactamente la sexta variación). La Fantasía para cello y piano JS.79 está perdida también parcialmente: la parte para el teclado completamente y algunos compases de la del cello. Thedéen se atreve a tocar el torso que nos ha llegado, demostrando que es una obra magnífica, por lo que lamentaremos constantemente su estado actual. También destacamos entre las novedades tres breves fragmentos en si menor con piano (JS.91, 92 y HUL 0674-75) que parecen relacionados con un proyecto de concierto para cello y orquesta para Christian Sibelius, no finalizado nunca.

Torleif Thedéen

El gran Quinteto en sol menor JS.159, obra fundamental en la carrera del autor, compuesta durante su estancia en Berlín, junto con otros dos breves fragmentos para la misma formación (un Vivace alternativo para el quinteto y el movimiento JS.31), además de la citada "Noches de celos" JS.125 habían aparecido previamente en BIS-CD-1412, unas grabaciones sobresalientes protagonizadas de nuevo por Folke Gräsbeck al piano, junto con el concertino de la Sinfonia Lahti, Jaakko Kuusisto, la violinista del Cuarteto Tempera Laura Vikman (habituales todos ellos de las grabaciones camerísticas de la serie), además de la viola Anna Kreetta Gribalcevic y el cellista Joel Laakso.

Ellos, junto con Taneli Turunen al cello, Jyrki Lasonpalo al violín, Eero Munter al contrabajo, etc. interpretan las otras obras para cuerda que hemos mencionado, como diversos dúos (la primeriza Castillos en el aire JS.65 para dos violines, el Dúo JS.66 para violín y viola, etc.) y tríos, como la trascendental Suite en La Mayor JS.186, compuesta al final de su periodo de estudios en el final de sus cursos en Helsinki, y uno de los primeros ejemplos de las singularidades estilísticas del autor; o el incompleto Trío en sol menor JS.210, llamativo por adelantar composiciones futuras del autor. Algunas de estas obras ya habían aparecido anteriormente en dos buenos discos de Ondine (ODE 826-2 y ODE 850-2), aunque las presentes grabaciones las superan, y con mucho, en calidad, estilo, refinamiento, brillo y sentimiento.

El Rondó en re menor para viola y piano JS.162 está protagonizado por Nobuko Iami y Ronald Pöntinen y había sido grabado 1996 dentro de un disco de obras de diferentes compositores (Enescu, Britten, Milhaud, Wienawski, Liszt y otros) dedicado a la singular formación, llamado "Un pájaro bajó a caminar" (BIS-CD-829). La obra de Sibelius es la única de su catálogo dedicado a la singular pareja, una obra tempestuosa que parte de uno de los temas del Quinteto JS.159. La interpretación es buena sin más, hubiera sido deseable quizá un nuevo registro por los especialistas de BIS.

"Ödlan" ('El lagarto') opus 8 es un trabajo muy poco frecuentado, pero no es tampoco una novedad absoluta en el mundo discográfico (aunque sí sin embargo en BIS). Se opta aquí por la formación mínima que Sibelius preparó para la obra de teatro, en lugar de la orquesta de cuerda utilizada con mayor asiduidad, como en la grabación de Finlandia Records con la Orquesta de Cámara de Ostrobotnia dirigida por Juha Kangas del año 96 (referencia 4509-98995). El presente registro la supera con mucho, y nos ofrece la magia de esta obra, que el autor no considero ejecutable fuera de las tablas, en toda su magnificencia. Una música desoladora, frágil y tenue, que destila grandeza efectivamente al ser ejecutada con un instrumento por parte.

Jaakko Kuusisto

La música para kantele (dos obras a solo y otra con violín) son una novedad absoluta en el campo discográfico, hecho bastante sorprendente si pensamos en que el instrumento de cuerda es considerado el instrumento folclórico nacional. Las obras son modestas, pero lo suficientemente interesantes en su dimensión como para las dedicamos un próximo post. La misma kantelista que estrenó las piezas en 2001, Suvi Lehtonen-Gräsbeck, nos ofrece esta singular música con el hechizante cordófono.

Las obras para conjunto metal y percusión, excepto un caso, aparecieron en un CD titulado "Playgrounds for angels", con música de Rautavaara, Grieg, Nystedt y el citado sector del catálogo de Sibelius ( BIS-CD-1054, año 2000). Los protagonistas son el conjunto Brass Partout, un proyecto nacido de la Joven Orquesta Nacional Alemana. Las obras en general, del final de su época de estudios, son muy seductoras, a pesar de lo cual han pasado bastante desapercibidas fuera del círculo sibeliano (existe otra única grabación dirigida por Saraste, aunque difícilmente podrán encontrarla fuera de Finlandia). La interpretación es buena, aunque el conocimiento estilístico no es pleno.

En Conjunto de Metal de Lahti (nacido de parte de la Orquesta Sinfónica y otros músicos de la ciudad) completa la integral con un breve fragmento de una Marcha HUL 0504, cuyo tema (1897/99) retomaría años más tarde para su Marcha Scout opus 91b.

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En fin, de nuevo Bis nos ha dado un buen puñado de nuevas y grandes alegrías a los sibelianos. Si ustedes tienen la posibilidad de adquirir el estuche no lo dude; de no ser posible y están interesados en alguna de las obras, ya hemos citado las alternativas. Aunque la música de cámara no ocupe el lugar preferente que la orquestal o la coral dentro de la producción del autor, y se concentra principalmente en el periodo más juvenil, no obstante creemos que esta parte del catálogo es enormemente interesante, y nos ofrece un buen puñado de obras maestras y en cualquier caso piezas de gran belleza que el sibeliano debe conocer.


La información en la página de Bis.


Lasse Pöysti: narrador
Monica Groop: mezzosoprano
Jaakko Kuusisto, Laura Vikman: violín
Anna Kreetta Gribalcevic, Nobuko Iami: viola
Torleif Thedéen, Taneli Turunen, Joel Laakso: violoncello
Eero Munter: contrabajo
Folke Gräsbeck, Ronald Pöntinen: piano
Suvi Lehtonen-Gräsbeck: kantele
Brass Partout (dirigido por Hermann Bäumer)
Conjunto de Metal de Lahti (dirigido por Jaakko Kuusisto)
BIS (1996-2009, 2009) BIS-CD-1924/26

CALIFICACIÓN GLOBAL DEL VOLUMEN:
Interpretación: 8,5 • Sonido: 9 • Estilo: 10 • Interés: 10 • Comentarios: 7,5

Discografía histórica: las sinfonías por Vladimir Ashkenazy

Para quien les escribe, Vladimir Ashkenazy como director sibeliano ha sido un descubrimiento reciente. En el momento en que ese hallazgo se producía, se revelaba un gran director de orquesta que entiende muy bien a nuestro compositor. Pero un director algo desplazado en sus reseñas discográficas sibelianas. ¿Por qué?

Es difícil establecer la causa. Es posible que muchos melómanos hayan percibido alguna vez cierta animadversión de la crítica por Ashkenazy como director en general en contra de su faceta como pianista, que deja menos dudas. De alguna manera se ha incidido en el mito (o más bien prejuicio) de que un buen concertista de piano no puede llegar a ser un buen director. Algo que sencillamente cae por su propio peso: tenemos casos como el Barenboim que ha demostrado hace mucho ser aún más genial a la batuta que a las ochenta y ocho teclas.

No creemos que Ashkenazy tenga que demostrarlo tampoco. Algunas de sus interpretaciones de autores rusos del siglo XX como Rakhmaninov o Skryabin son antológicas. No podemos dudar de su valía como director, aunque no sea siempre genial. Quizá, en efecto, uno de sus males puede ser cierta inconstancia, no siempre sus grabaciones mantienen la misma altura.

Ése es precisamente lo que comentaremos en relación a Sibelius: registros de primer orden junto con "otros más del montón".

Vladimir Ashkenazy grabó a comienzos de la década de los 80, en sus comienzos como director una primera integral de las sinfonías de Jean Sibelius, que es de la que vamos a hablar. El registro se hizo con la Orquesta Philharmonia de Londres, y para su sello habitual, Decca. Además de las siete sinfonías, las grabaciones editadas fueron complementadas con otras obras orquestales de entre las más representativas.

El intérprete ruso se une en ese momento al comienzo de la revaloración de nuestro compositor que se estaba produciendo en esa época, lo cual no es casual. Aunque entraremos más en detalle, haremos algunas valoraciones previas. El Sibelius de Ashkenazy sabe conciliar el sentimiento romántico con una gran sensación de modernidad y originalidad en el aspecto puramente técnico: las sonoridades orquestales. No es ajeno tampoco a lo especial del sentimiento nórdico, con establece una especial simbiosis. Al final del presente post comentaremos una entrevista en la que el propio músico ruso señala el por qué de esta vivencia.

La edición original de Decca apareció en 6 discos de no muy extensa duración (una edición pensada todavía para discos de vinilo y microcasette). Esa edición está descatalogada por lo que no detallaremos las referencias completas, aunque es la que nos ha servido a nosotros para escuchar y analizar estas interpretaciones.

La Primera Sinfonía tiene muchos elementos para que a priori Ashkenazy pudiese volcarse en ella. Y así es, en efecto. La sinfonía más influenciada por los rusos (Chaikovsky y Borodin en concreto) se presta a la perfección al temperamento del director eslavo, que ahonda en su sentido trágico, solemne, pesimista... y sobre todo romántico. Romántico por encima de todo, pero sin caer en las sensiblerías ni "bellos sones". Una visión monumental y apasionada, casi "patética" en el sentido que Chaikovsky dio a su última sinfonía. Sin duda uno de los mejores registros de la discografía de la obra. Muy atentos a cierta exploraciones tímbricas, como las de los trombones en el trío de scherzo y el tema lírico del finale, arrebatador. Ashkenazy es sin duda uno de los grandes sibelianos, y lo demuestra desde el primer momento.

La Segunda es clara y lírica, sin excesos. Además el director ruso la dota de un especial sentido del misterio, muy característicamente en el movimiento lento. El final no cae nunca en la grandilocuencia, cosa que hay que agradecer. Si bien no podemos destacar esta grabación por encima de toda la discografía de este trabajo (la competencia incontestablemente es muy dura), sí está entre lo más brillante de la integral.

La Tercera es sana y alegre, dotada de un excelente sentido del ritmo. El director es capaz de hacer magia con los timbres del segundo movimiento.

La Cuarta Sinfonía, sin perder detalles de su especial sonoridad, es la interpretación más floja de la serie. Ashkenazy se queda un poco en la superficie, sin explotar su camerismo ni sus más profundas desolaciones y contradicciones. La Cuarta es una sinfonía demasiado personal y subjetiva, con la que el director no ha sintonizado.

La Quinta es solemne, intensa, dramática. Un absolutamente desolador solo de fagot en el primer tiempo, una buena transición a la reexposición/scherzo. El segundo tiempo es tranquilo y sereno, mientras que en el último se acentúan los pasajes más oscuros, dando como resulta una potente lucha entre luces y sombras, con una victoria quizá no demasiado nítida de la luz. Aunque la interpretación en sí es de altura, como decíamos respecto a su toma de la Segunda, la comparación con otros directores sí rebaja su valoración.

En la Sexta, sin entrar en su acervo ancestral ni en profundidad en las posibilidades de sus sonoridades mágicas, Ashkenazy nos brinda una excelente versión, ahondando en sus misterios, en su carácter críptico y elusivo. El final resulta apasionante en este sentido, sin perder un ápice de su dramatismo y heroísmo. Una de las joyas de la integral, doblemente valorable por ser precisamente, junto con la Tercera, la sinfonía que más se les "escapa" a los directores no finlandeses.

Portada de la edición original

La Séptima es vibrante, emocional, con un excelente sentido de los timbres sibelianos. Es especialmente llamativo como Ashkenazy maneja los bloques sonoros contrastantes, con un efecto casi puntillista del color orquestal. El director ruso sin darle transcendentalidad a la partitura sí la dota de una gran solemnidad y emocionada profundidad. Lo dicho en la Segunda y en la Quinta es válido para esta: las comparaciones son odiosas, y de nuevo este registro pierde ante otros.

Globalmente podíamos decir que Ashkenazy ha hecho un buen ciclo sinfónico, ha sido capaz de cabalgar por encima de estas partituras, tan magistrales como difíciles de abordar para un no especialista. El punto más bajo está en la Cuarta, seguidas por la Quinta y la Séptima. La Segunda es más interesante, la Tercera y la Sexta son de obligada referencia y la Primera es rotundamente una de las mejores grabaciones de la discografía sibeliana.

A continuación daremos también una reseña crítica de las obras que complementan a las sinfonías en los discos originales.

En saga presume aquí de un solemne y con efectivo espíritu de lo mítico. Una interpretación lírica y apasionada, aunque quizá un poco ausente de dramatismo. Resulta especialmente cuidado el anticlímax de la mitad de la pieza, con sus solos de violas y vientos, al que Ashkenazy dota de una especial (¿y eslava?) melancolía.

La Suite "Karelia" opus 11 es un registro de referencia, con inusitados toques melancólicos y heroicos, delicada sin perder belicosidad. La balada es sin duda una de las mejores de la historia del disco.

Para Finlandia, simplemente repetimos lo expuesto en la discografía recomendada de esta popular obra: "poderosa, dramática y contundente, llena de fervor y fuerza, un excelente equilibrio orquestal que sabe extraer buenos resultados de la instrumentación sibeliana en esta obra (estén atentos a la sonoridad gran caja en la repetición del himno)".

Luonnotar, el singular poema sinfónico con soprano solista, es aquí poderoso, oscuro y dramático, con gran protagonismo de las maderas, que lo hacen más "aéreo". Mientras, las cuerdas se muestran muy ágiles, antes agitadas que ligeras, añadiendo al conjunto un manto ideal. Söderstrom es una firme soprano dramática, que interpreta el poema sinfónico casi como una escena wagneriana. No pierde por ello ninguno de sus significados originales, es desde luego una posibilidad de la partitura (aunque nunca cayendo en la teatralidad absoluta). No obstante a la obra le da mejor brillo una soprano algo más ligera y de timbre más inocente.

Tapiola es sin duda magnífica, posiblemente lo mejor de estos discos y una de las mejores grabaciones de la obra. Mágica, esencialista, dramática, atmosférica y moderna.

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Es hora de dar una valoración global a estos discos, que creemos que en el caso de que exista un interés por ellos, deben adquirirse en su totalidad.

Philharmonia Orchestra
DECCA (1980-85)
Interpretación: 7,5 • Sonido: 7 • Estilo: 8 • Interés: 8 • Comentarios: 6

Portada del primero de los estuches

La integral fue relanzada en dos ocasiones en la propia casa. En 1998, en su serie Double Decker (referencias 455402 y 455405) los seis discos originales se comprimieron en dos estuches de doble CD.

En 2003 Decca lanzó una nueva recopilación en 5 discos en un solo estuche (código: 000121902) con las mismas grabaciones y otras más añadidas a precio bastante económico, anteriores y posteriores a las señaladas: el Concierto para Violín con Boris Belkin como solista, junto con las Serenatas opus 69 y las Dos piezas opus 77 con el mismo protagonista, además de la Romanza opus 42 y el Valse Triste. Como de momento no disponemos de esas grabaciones, no podremos comentar más.
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La "militancia" sibeliana de Ashkenazy no se queda en esas grabaciones. El pasado año una nueva integral apareció dentro del sello Exton en Super Audio CD. En este artículo (en inglés) se nos da cuenta de la dificultad para su adquisición, así como de la calidad (incluso mayor) que la que teníamos en la grabación de Decca. Esperemos que sea posible contar con ella en un futuro.

Pero incluso este interés por el autor por parte de Ashkenazy llegó más lejos del mundo fonográfico al comprometerse también en un documental de Chistopher Nupen para Allegro Films, en el que dirige y toca al piano varios ejemplos y piezas musicales. Dividido en dos partes ("Los primeros años" y "Madurez y silencio"), el trabajo en sí es importante, aunque en su realización original (editada en 1985) aún no habían calado las revisiones musicológicas sobre Sibelius. Si alguien está interesado, está reeditado en DVD (2006), y es posible adquirirlo en diversos lugares de la red, incluyendo la propia página de la compañía. Con todo, hemos de avisar que no está doblado, aunque sí que tiene la opción de subtítulos en español.

No olvidemos tampoco al Ashkenazy pianista, que acompañó a Elisabeth Söderstrom y a Tom Krause en la integral de canciones (publicadas) también para Decca, que ya comentamos en su momento
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Por último, nuestros lectores, siempre y cuando comprendan algo el inglés, pueden escuchar al propio Vladimir Ashkenazy hablando en una entrevista sobre Sibelius. En este video, el director señala sus afinidades con el autor, no sólo por lo circunstancial (su mujer es nórdica, islandesa exactamente) sino por una sintonía personal con su naturaleza. Señala con absoluta razón que es precisamente este fuerte carácter nórdico lo que puede crear esa afinidad con su música o un distanciamiento frente a ella. También menciona su interés por la música de piano del autor. En el final de la entrevista se mencionan otros temas, como su labor de director frente al de pianista.

Durante el breve video podemos oír a Ashkenazy dirigiendo la Séptima Sinfonía y Rakastava.


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Esperemos que con este post hayamos podido llamar la atención sobre este binomio Ashkenazy-Sibelius, una relación un tanto desplazada pero que sin duda ha sido de un primer orden en cuanto a sus resultados artísticos.

Armas Järnefelt (1869-1958)

Dentro de la etiqueta de "otros compositores" enmarcamos en este blog a diversos músicos que tuvieron una gran relación con Jean Sibelius, e influyeron sobre él en lo personal o en lo artístico (y/o Sibelius en ellos). Ya tuvimos la oportunidad de conocer el caso de Kajanus, enormemente ligado a nuestro compositor. Le ha llegado pues el turno de otro músico que ya hemos mencionado en varias ocasiones, su amigo, además de hermano de su mujer, Armas Järnefelt.

Si nuestro blog tiene como propósito la divulgación de aspectos pocos conocidos en nuestro ámbito lingüístico de Jean Sibelius, al tratar la figura de Armas Järnefelt abordamos un asunto más singular, ya que se trata de un autor poco conocido incluso en Finlandia y Suecia, países en los que se desarrolló si actividad musical. Según comenta Heikki Saari - en el folleto del disco de Sterling que comentamos en la discografía -, en el año 1996 era un músico pendiente de estudio, y aún no parece que se haya realizado. No existe un catálogo exhaustivo de sus composiciones, muchas de ellas permanecen inéditas en la Universidad de Helsinki. La mayoría de las composiciones están sin fechar, incluso algunas de las mejor conocidas. Ni siquiera se dispone de gran parte de su agenda como director, faceta en la que Armas Järnfelt destacó por encima de la composición... Aunque sin duda, dada la diligencia académica de Finlandia, esa situación cambiará en un futuro próximo, de momento sólo unas pocas informaciones podemos aportar sobre este gran director y buen compositor del país de los mil lagos.

Fotografía (1895/1905)

Armas Järnefelt nació un 14 de agosto de 1869 (se cumplía pues hace unos días su 140 aniversario) en Viipuri, el actual Vyborg ruso, entonces parte de la "vieja Finlandia", Karelia.

Sus estudios transcurrieron al comienzo muy paralelos a los de Sibelius, recibiendo instrucción de Martin Wegelius. Durante los primeros meses en el Instituto de Música de Helsinki se estableció una fuerte amistad con el futuro compositor de Kullervo, gracias a la cual Sibelius entró en contacto con la familia Järnefelt. Los Järnefelt fueron una muy influyente familia en el terreno cultural y en la sociedad, por su especial militancia en el movimiento fennoman. Armas estaba destinado a convertirse como sus hermanos en una gran figura artística, musical en este caso.

En el Instituto de Wegelius recibió también clases de piano por parte de nada menos que de Busoni. Junto con el músico italo-alemán, Sibelius, Eero Järnefelt (su hermano pintor), y el novelista y dramaturgo Adolf Paul formaría el grupo de los "leskovitas", un círculo artístico a la vez que un grupo de amigos amantes de la vida nocturna de Helsinki.

También como Sibelius, al finalizar su instrucción en Finlandia emprende unos meses de estudio formal (1890) con Albert Becker, mientras sigue pendiente del amor secreto que existía entre su amigo Jean y su hermana Aino que, finalmente se casarían en 1892.

Sin embargo, entre 1893 y 1894, se produce un elemento que separa el destino artístico de nuestros dos músicos: Armas elige a Jules Massenet para continuar su aprendizaje musical. Con el gran compositor francés, Järnefelt se acabaría inclinando hacia el mundo operístico, especialmente hacia el wagnerismo (que tanto Wegelius como el propio Massenet le inculcaron).

Los años siguientes transcurrieron por varios lugares de Alemania (Magdeburgo, Bresslau, Düsseldorf y otras), comenzado su carrera de director de orquesta, para la que estaba especialmente dotado, así como director operístico como asistente en ensayos. Allí se afianzó su wagnerismo y su compromiso con un romanticismo que estaba dando sus últimos frutos aquellos años.

En 1898 vuelve a Finlandia para ocuparse la Orquesta de los Amigos de la Música de Viipuri, donde se asienta su fama como director. En su localidad natal permanece hasta 1903, tras lo cual dirige como invitado las óperas de Helsinki y Estocolmo, donde cosecha grandes éxitos en la dirección de representaciones y conciertos. Durante el curso 1906-1907 incluso enseña en el Instituto de Música donde había estudiado, donde contó entre sus pupilos a Leevi Madetoja y Toivo Kuula (con los años muy importantes compositores)

En 1907 se asienta por un largo periodo en Suecia, convirtiéndose en uno de los directores de la Ópera Real de Estocolmo. En 1910 toma incluso la nacionalidad sueca, ganado un puesto como músico de la Corte. En 1923 es definitivamente el director oficial de la Ópera. En estos años en el país vecino sirvieron para divulgar la obra de su cuñado Sibelius, así como para el estreno sueco de obras tan importantes como la Octava Sinfonía y La Canción de la Tierra de Mahler, o los Gurrelieder de Schönberg.

Finalmente vuelve a su país natal, donde prosigue su exitosa e importante carrera como director. Entre 1932 y 1936 será el director de la Ópera Nacional Finlandesa, y en la temporada 1942-1943 director de la Orquesta Filarmónica de Helsinki. Las críticas locales alabaron sobre todo sus interpretaciones de Mozart y Wagner.

Armas Järnefelt dirigiendo, fotografía de 1951 (YLE)

Järnfelt escribió música ya desde su época de estudiante. Pero él se sintió antes director de orquesta que compositor. Dos hechos marcaron que la creación tuviese una motivación muy secundaria: por una parte su gran dedicación, vocacional y laboral a la orquesta. Por otra parte cierto "complejo Sibelius" que también pareció sufrir Kajanus. Armas Järnefelt se reconoció incapaz de competir o igualar al maestro, que ya en la última década del siglo XIX había ocupado el puesto, casi mesiánico, de "compositor nacional". El músico de Viipuri llegó a reconocer este efecto como auténticamente paralizante, "cuando uno constantemente dirige las obras de los grandes maestros se hace consciente de su propia insignificancia".

Según la crítica de un periódico sueco de la época "como compositor, Järnefelt posee una noble actitud e, incluso aunque no muestra una particular individualidad, sin embargo es altamente comprensivo a cuenta de su directa honestidad y refinada sensibilidad musical. Gusta de escribir música muy melódica y ha desarrollado plenamente el sentido de la belleza del sonido. La expresión volátil no es plato de su gusto: ama la belleza y la claridad".

Estamos pues ante un compositor dentro de la tradición romántica, sin aventuras vanguardistas. Mucha de su obra se puede además considerar como "nacionalista", tanto por la temática como por su inspiración en melodías folclóricas finlandeses, a un nivel mayor al que Sibelius se comprometió. La mayoría de su música vocal está escrita en finés, como corresponde a un artista fennoman.

Excepto en sus primeros y atrevidos años, Järnefelt no compondría obras de gran formato, más bien pequeñas piezas para orquesta (que introducía como complemento a sus conciertos) y otros medios más modestos. Uno de los campos en que los que más destacó fue el ámbito de la canción para voz y piano. La canción tenía un significado muy personal: sus dos mujeres (enviudó en una primera ocasión) eran cantantes líricas.

En la actualidad, como anunciamos al principio, poco del catálogo compositivo de Armas Järnefelt es interpretado con regularidad. Hay una notable excepción: dos pequeñas piezas para orquesta de cámara, su Berceuse y su Praeludium, muy habituales como bises en las orquestas finesas y muy populares en Finlandia y en su ámbito cercano, llegando a traspasar fronteras como "propinas". Una de ellas es curiosamente conocida en nuestro país: el Praeludium fue una exitosa "obra de la semana" en el programa de Radio Nacional de España "Clásicos Populares", un programa de audiencia (que publica además sus discos con un ingente número de copias vendidas).

Sin duda Järnefelt merece ser más recordado por otras obras aparte de esas dos, por otra parte deliciosas miniaturas. Muy especialmente, como ya hemos dicho, por sus canciones, directas, sencillas y francas, teñidas por la melancolía finlandesa.

Aquí podemos escuchar la famosa Berceuse en su versión orquestal, una grabación de intérpretes desconocidos pero de buena calidad:

Obras (lista parcial)

Orquesta
Ouverture lyrique (1890)
Korsholm, poema sinfónico (1894)
Fantasía sinfónica (1895)
Suite para pequeña orquesta (1899-1900) [primer tiempo: Praeludium]
Berceuse, para pequeña orquesta (1904) [original para violín y piano]
Koskenlasku [Disparando en los rápidos]
Aamulla varhain [De mañana, temprano]

Música para el cine
"Sången om den eldöda blomman" ["Canción de la flor carmesí"] (1919)


Música incidental
"Det förlovade landet" ["La tierra prometida"] (1907). Tres números extraídos como suite orquestal (1919)

Música de cámara
Berceuse, para violín y piano (antes de 1904) [transcrita para pequeña orquesta]

Música para piano

Canciones para voz y piano

Música coral a capella
Coro y orquesta
"Isänmaan kasvot" ["El rostro de la patria"] (1927)
"Päivänpoika" ["Hijo del día"] (E. Leino) (1939)
"Temppelinrakentajat" ["Los constructores del templo"] (1940)
"Åbo slott" ["El castillo de Åbo"]

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Existe una página finesa dedica al compositor todavía en construcción, si alguien tiene curiosidad y decide seguir su marcha es la siguiente:
http://www.armasjarnefelt.fi/

Discografía

La discografía del Praeludium y la Berceuse es numerosa, y no vamos entrar en detalle, tan sólo mencionares una relación de directores y sellos. Para el Praeludium tenemos a Eiji Oue para Reference, Berglund para Emi, Panula para Naxos, Erich Kunzel para Telarc... Para la Berceuse: Salonen para Sony, Panula para Naxos, Segerstam para Ondine... En España todavía es posible encontrar la grabación de Clásicos Populares del Praeludium, dirigida al efecto por Enrique García Asensio, en alguna de las muchas recopilaciones del programa de radio.

Nos extenderemos en los discos monográficos dedicados al compositor, de los que, al menos fuera de Finlandia, es posible encontrar tres. De ellos hablaremos a continuación.



Orquesta Sinfónica de Gävle
Hannu Koivula
SERLING CDS-1021-2 (1996)

Interpretación: 6 • Sonido: 6,5 • Estilo: 8 • Interés: 9 • Comentarios: 8

El sello sueco Sterling tiene una maravillosa serie dedicada a compositores suecos y finlandeses románticos (y postrománticos en realidad). Dentro de esa serie podemos encontrar el único disco dedicado en exclusiva a obras orquestales de Järnefelt, con un programa que comprende no sólo las piezas más populares (el Praeludium y la Berceuse), sino también obras de mucho mayor calado, que nos hacen admirar mucho más la calidad compositiva de este autor.

La Ouverture Lyrique de 1890 fue compuesta muy probablemente (no tenemos el dato exacto) entre el final de los estudios en la escuela de Wegelius y los efectuados bajo dirección de Becker, y ya muestran tanto su clara influencia germánica (a ratos incluso wagneriana), su gran sentido para la orquestación y su habilidad como compositor.

El poema sinfónico Korsholm es la más ambiciosa obra que conocemos del autor y también puede calificarse como la mejor de ellas. Obra de gran formato (17 minutos y medios en la grabación), heroica, solemne, conmemorativa, llena de sonidos grandilocuentes pero nunca vacíos. El programa de la pieza recuerda el lugar (Korsholm de hecho) donde los cruzados suecos desembarcaron, según la tradición, para cristianizar Finlandia. El poema sinfónico comienza con nítidas sonoridades folclóricas (la Finlandia primitiva), a la que suceden pasajes heroicos de clara ascendencia wagneriana (la lucha entre los paganos finlandeses y los cristianos suecos). Para finalizar se escucha una breve cita del coral de Lutero "Ein feste Burg ist unser Gott", símbolo del cristianismo (en especial del protestante).

La pieza es sin duda magnífica, y debería programarse y grabarse más frecuentemente. Una curiosa coincidencia la relaciona (de nuevo) con Sibelius: ambos autores presentaron partituras orquestales al Festival de Música y de la Canción de Vaasa de 1894. Järnefelt llevó la presente obra, mientras que Sibelius llevó su "Canción de primavera" opus 16. Armas Järnefelt fue el gran triunfador de la velada de aquel 21 de junio. La pieza de Sibelius sin duda es de una cualidad superior, pero es de una expresión más modesta y lírica, frente a la monumentalidad y patriotismo de Korsholm, que arrancó el aplauso inmediato del público. La obra continua siendo recordada por los aficionados y estudiosos finlandeses, si bien, como es de esperar por lo dicho, se interpreta mucho menos de lo que se merece.

El disco contiene además una suite de la música incidental "Det förlovade landet" ["La tierra prometida"], de argumento bíblico, y una selección de dos piezas para una música fílmica de 1919 ("Sången om den eldöda blomman" ["Canción de la flor carmesí"]), muda por tanto. Estas dos selecciones son una muestra del buen hacer de Järnefelt con el color orquestal y su inspiración claramente romántica, sin nostalgias pero sin ningún interés en lo que hacían las vanguardias.

(Información del sello discográfico)



Jorma Hynninen, barítono
Camilla Nylund, soprano
Ilkka Paananen, piano
ONDINE ODE 1029-2 (2003)

Interpretación: 8 • Sonido: 8 • Estilo: 9 • Interés: 10 • Comentarios: 8,5


Si hemos ensalzado mucho las virtudes de las obras orquestales de Järnefelt, mucho más tenemos que decir de sus bellísimas canciones. Como ya hemos señalado constituyen sin duda el punto álgido de la producción de Järnfelt. Aun cuando la mayor competencia profesional de este autor fue la orquesta, su gusto y su habilidad para la miniatura confluyeron para dar la máxima importancia a la canción íntima y romántica. Además sus mujeres eran dedicatarias de las partituras, que estrenaron en multitud de ocasiones, lo cual explica en parte la implicación en este género.

Sobre estas piezas hay que señalar en primer lugar que la mayor parte de los textos son fineses (frente al mayor número de canciones en sueco de Sibelius) por su educación finoparlante y su militancia en el movimiento fennoman, como ya habíamos anunciado. Y sin duda debido al idioma la mayoría de ellas están llenas de ecos del folclore, de los ritmos y entonaciones del finés hablado, con coloraciones modales y ritmos monótonos e hipnóticos.

Otras canciones se mueven hacia el mundo romántico, pero también es posible encontrar armonías más avanzadas, próximas a planteamientos impresionistas o expresionistas, sin perder nunca sin embargo la tonalidad asentada. Aunque la sencillez es siempre una premisa de estas obras, es posible encontrar canciones de mayor rango expresivo, cercano al mundo de la ópera, una forma de confirmar el wagnerismo del compositor - nunca escribió una obra de teatro lírico, sin embargo -.

El disco de Ondine nos ofrece una muy amplia selección de estas canciones, una auténtica maravilla interpretada por dos cantantes excepcionales del país nórdico, como son Jorma Hynninen y Camilla Nylund. El registro es impecable, un justo homenaje a la calidad de estas obras, tan poco difundidas hasta ahora.

(Información del sello discográfico)

Por todo lo que hemos señalado hasta ahora creemos que los aficionados a la música nórdica no deberían perderse estos dos estupendos discos, que además de hacerles descubrir un magnífico compositor puede ayudarnos a entender mejor el ámbito musical y cultural en el que se movió Sibelius.



"Laulajan koti. Kootut mieskuorolaulut" ("El hogar del cantor. Canciones completas para coro masculino a capella")
Akateeminen Mieskuoro Psaldo (Coro Académico Psaldo)
Heikki Saari
FINLANDIA 2564-60754-2 (2003)

Interpretación: 6 • Sonido: 6 • Estilo: 7 • Interés: 5 • Comentarios: 7

El tercer disco monográfico disponible está dedicado en exclusiva a sus coros masculinos. En primer lugar hay que señalar que los coros en general están muy lejos de la calidad de las obras orquestales y más aún de las canciones. Parece que Järnefelt no estuviera muy interesado en este género, por otra parte de enorme difusión en Finlandia y en los países nórdicos en general. Aunque aplica gran parte de los parámetros que hemos analizado respecto a las canciones, no llega a situarse a la misma altura, ni técnica ni expresivamente.

En cuanto al disco en sí parece que al coro tampoco le entusiasmaron mucho las partituras, y escaso partido les saca. Un disco no fácil de encontrar, no muy recomendable (por las obras, por la interpretación y por su escasa duración - 37 minutos-), salvo que se desee profundizar en nuestro poco conocido autor.


Existen además varias grabaciones de Järnefelt al piano (algunos de los primerísimos registros de canciones de Sibelius, por ejemplo, con su mujer Maiiki en la parte vocal) y dirigiendo, pero fuera de Finlandia es sumamente difícil encontrar estos discos.
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Esperemos que este apunte sobre este compositor les haya sido útil e instructivo. Un autor que sin ser genial puede resultar fascinante y cuya música es sin duda de gran valor para los que amamos la música que llegó del norte...